GUSTAV KLIMT|12 MIN DE LECTURE

Le sens des œuvres de Gustav Klimt

Vous connaissez ses ors. Vous ignorez peut-être pour qui Klimt a peint ses tableaux les plus appréciés, et ce qu'ils sont devenus après avoir quitté son atelier.

AUTEUR Moryarty

La Dame au manchon par Gustav Klimt, 1916 — Gustav Klimt, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Le sens de l'art de Gustav Klimt dépend de l'œuvre que l'on regarde, mais aussi de ce qui lui est arrivé après sa création. Peintre viennois né en 1862 et mort en 1918, Klimt a cofondé la Sécession viennoise, ce groupe qui a rompu avec les milieux artistiques conservateurs de la ville en 1897. Au fil de sa carrière, il est passé des peintures murales de grands bâtiments publics aux portraits destinés à des commanditaires privés. Ses sujets ont évolué avec les commandes. Les sept œuvres présentées ici vont des sujets bibliques aux portraits privés, en passant par une commande universitaire et des décors architecturaux.

Le sens d'une œuvre tient d'abord aux raisons de sa création et à la personne à qui elle était destinée. Il se nourrit ensuite des réactions des premiers spectateurs, puis de ce que les générations suivantes ont choisi d'y voir. Il change encore au gré des propriétaires de l'œuvre et des événements qu'elle traverse. Ces sept histoires reviennent sur les mêmes thèmes : l'amour, la santé, l'identité et la liberté artistique, puis l'histoire plus sombre du XXe siècle, faite de confiscations, de destructions pendant la guerre et de restitutions.

Pourquoi le tableau de Klimt représentant Hygie a-t-il indigné les professeurs de Vienne et brûlé en 1945 ?

La déesse de la santé peinte par Klimt n'est qu'une figure d'un tableau plus vaste. Elle apparaît au bas de « La Médecine », l'un des trois tableaux des facultés que Klimt devait réaliser pour le plafond de la grande salle de l'université de Vienne. Le ministère de la Culture et de l'Éducation lui avait commandé « La Philosophie », « La Jurisprudence » et « La Médecine » pour décorer cette salle, qui se trouvait dans le nouveau bâtiment inauguré en 1884 sur la Ringstrasse, conçu par Heinrich von Ferstel. Là où les décors publics célébraient habituellement les grandes réalisations, Klimt a choisi de montrer la vie humaine comme un destin marqué par la maladie et la mort.

Hygie réunit ici la vie et la mort, ce qui rompt radicalement avec les représentations habituelles de la déesse de la santé. « La Médecine » a été présentée pour la première fois à la dixième exposition de la Sécession, en 1901. Les réactions ont été plus virulentes encore que celles suscitées par « La Philosophie » : une revue médicale a attaqué le tableau, et un groupe de professeurs de l'université a adressé une protestation officielle.

Dans ses mémoires, Berta Zuckerkandl raconte que le recteur a lu une pétition qualifiant l'acceptation de ces peintures de plafond d'insulte à l'art. Un doyen a déclaré, selon elle, que Klimt avait osé toucher à ce que Raphaël avait conçu pour l'éternité. L'anatomiste Emil Zuckerkandl appartenait au camp opposé. Il comptait parmi les rares professeurs à avoir signé en faveur du maintien des tableaux. La querelle a pris fin en 1905, lorsque Klimt a résilié son contrat avec le ministère et racheté les trois œuvres. Il n'a ensuite plus accepté de commandes publiques et s'est tourné vers une clientèle privée.

Après leur rachat, les trois tableaux sont passés dans des collections privées. Ils ont changé plusieurs fois de mains, puis les nazis les ont confisqués à leurs propriétaires juifs en 1938. Les trois toiles ont été transportées dans un dépôt d'œuvres d'art aménagé pendant la guerre au château d'Immendorf, en Basse-Autriche. Un incendie les y a détruites le 8 mai 1945. On pense que des unités SS en repli ont mis le feu au château, sans que cela ait jamais été établi de manière certaine. Aucun musée ne possède aujourd'hui l'original de « La Médecine ».

Il reste une documentation limitée, mais précieuse. La seule reproduction en couleurs du détail d'Hygie réalisée avant l'incendie est la planche 10 du livre de Max Eisler, « Klimt: Eine Nachlese », publié à Vienne en 1931. Le musée d'Israël à Jérusalem, l'Albertina et le Wien Museum conservent d'importantes études préparatoires pour « La Médecine ». Avec les photographies, elles permettent encore d'étudier l'œuvre, même si le tableau a disparu.

Un nouveau chapitre s'est ouvert le 13 novembre 2024. Une reconstitution en couleurs de « La Médecine », d'environ 12 mètres sur 8 et réalisée à l'aide de l'intelligence artificielle, a été dévoilée sur la façade d'un bâtiment de recherche de l'université de médecine de Vienne, sur le campus de l'AKH Wien. Google Arts & Culture l'a conçue avec le Belvedere de Vienne. Cette reconstitution de 2024 permet aux visiteurs et au personnel de voir de nouveau l'ensemble de « La Médecine » en couleurs, sur un bâtiment universitaire, avec Hygie au bas de la composition. Auparavant, on ne connaissait la composition complète qu'en noir et blanc.

« Judith », de l'héroïsme biblique au pouvoir sexuel

La « Judith » de Klimt à la feuille d'or transforme le récit biblique d'une ville sauvée par une décapitation en une scène plus proche de la lutte entre les sexes. Le Belvedere de Vienne, qui possède le tableau, voit aujourd'hui en elle une icône de la féminité, dangereuse et séductrice. Le musée souligne que l'image ne laisse aucune place à l'agresseur masculin. Judith tient la tête presque tendrement, comme si elle la repoussait hors du tableau.

Klimt a peint le tableau à l'huile et à la feuille d'or sur toile. Sa signature figure en bas à gauche, et le haut du cadre porte le titre « JUDITH UND HOLOFERNES ». Un catalogue de la Sécession viennoise de 1901 répertorie l'œuvre dans la salle III, sous le numéro 20 et le titre « Judith und Holofernes », avec une mention indiquant qu'elle appartient à un propriétaire privé. Le nom « Judith I » permet de la distinguer d'un second tableau de Judith, peint par Klimt en 1909.

Les premiers propriétaires connus vivaient à Vienne. En 1901, le tableau appartenait à Anton Loew. En 1907, il était passé à Sophie Loew-Unger, elle aussi à Vienne. En 1920, il se trouvait chez Berthe Hodler, veuve du peintre Ferdinand Hodler, à Genève. Le Belvedere lui a acheté le tableau en 1954 et l'a ramené à Vienne.

Certains auteurs ont reconnu les traits d'Adele Bloch-Bauer dans le visage de Judith. Ils ont notamment relevé la ressemblance entre le collier de Judith et celui du portrait d'Adele que Klimt a peint plus tard. Mais aucun document ne confirme cette identification. Le tableau est aujourd'hui exposé au Belvedere supérieur.

Comment la « Frise Beethoven » a survécu à son exposition temporaire

Klimt a réalisé la « Frise Beethoven » pour la quatorzième exposition de la Sécession viennoise, un hommage au compositeur présenté du 15 avril au 27 juin 1902. Vingt et un artistes ont travaillé à cette exposition sous la direction de Josef Hoffmann, avec l'ambition de réunir architecture, peinture, sculpture et musique. La statue de Beethoven de Max Klinger occupait la salle principale. La frise de Klimt longeait la galerie latérale gauche, par laquelle les visiteurs entraient d'abord. Une ouverture dans le mur permettait d'apercevoir la statue. Klimt était alors président de la Sécession.

La frise suit l'interprétation de la « Neuvième Symphonie » de Beethoven publiée par Richard Wagner en 1846. Elle s'achève sur un chœur d'anges et un couple d'amants enlacés, qui évoquent l'« Ode à la joie » de Schiller et le bonheur auquel mène l'amour.

Un critique a écrit que la frise conviendrait à une caverne accueillant des orgies païennes, mais pas à des salles d'exposition où l'on invitait des femmes et des jeunes filles respectables. Le public n'était pas de cet avis. L'exposition a attiré près de 60 000 visiteurs et a été l'un des plus grands succès publics de la Sécession. Lors de l'avant-première, Gustav Mahler a placé six trombonistes dans l'escalier pour jouer son propre arrangement d'un passage de l'« Ode à la joie » de Beethoven.

La frise devait être éphémère. Les peintures murales des autres artistes ont d'ailleurs été détruites après la fermeture de l'exposition. La Sécession avait déjà prévu une grande rétrospective Klimt pour l'année suivante. Carl Reininghaus, mécène du peintre, a acheté la frise et l'a fait détacher du mur : c'est grâce à lui qu'elle existe encore. Pourtant, il n'a pas trouvé d'endroit adapté pour l'exposer, et August Lederer, qui l'a achetée en 1915, n'a pas pu l'exposer non plus.

Les nazis ont confisqué la frise. Après la Seconde Guerre mondiale, elle a été restituée à Erich Lederer, à Genève, mais il n'a pas obtenu l'autorisation de l'exporter. Après 1961, elle a été entreposée au Belvedere inférieur. En 1973, Lederer l'a vendue à la République d'Autriche pour environ 750 000 dollars américains. Certaines sources avancent toutefois la date de 1972.

L'Office fédéral de la protection des monuments a restauré la frise sous la direction de Manfred Koller. Les travaux se sont achevés en 1984. Une copie grandeur nature réalisée pendant la restauration a été présentée à la Biennale de Venise cette même année. En 1985, la frise restaurée a été exposée au Künstlerhaus, dans une reconstitution de la galerie latérale de Hoffmann. Depuis 1986, le public peut la voir dans une salle qui lui est consacrée, au sous-sol de la Secession. Les héritiers Lederer ont demandé sa restitution en 2013. Une commission d'État a rejeté leur demande en 2015.

Qui était Adele Bloch-Bauer et comment a-t-on récupéré son portrait ?

À l'été 1903, le banquier Ferdinand Bloch-Bauer a demandé à Klimt de peindre son épouse Adele. D'après une version, il souhaitait offrir le portrait aux parents d'Adele pour leur anniversaire de mariage, en octobre. Klimt y a travaillé pendant des années. Le « Portrait d'Adele Bloch-Bauer I », réalisé à l'huile, à l'or et à l'argent sur toile, signé et daté de 1907 en bas à droite, compte parmi ses tableaux les plus imposants. Adele se tient assise, droite, au milieu d'un champ d'or, les mains délicatement jointes. Le site Jewish Women's Archive décrit cette image comme l'icône moderne d'une grande dame.

Le tableau n'a été présenté au public qu'au début de 1907, d'abord à Mannheim, l'année de son achèvement, puis à la Kunstschau de Vienne en 1908. En 1938, les nazis l'ont saisi au domicile des Bloch-Bauer avec quatre autres tableaux de Klimt. En 1941, l'avocat nommé par les nazis pour gérer les biens de Ferdinand a remis le portrait à la Galerie Belvedere de Vienne. Il affirmait respecter les dernières volontés d'Adele.

Pendant des décennies, le tableau a été exposé à Vienne sous le nom de « La Dame en or », un titre qui cachait l'identité du modèle. Ce nouveau titre achevait ce que la confiscation avait commencé : il retirait le nom d'Adele Bloch-Bauer du cartel. Le portrait peint pour lui rendre hommage ne portait donc plus son nom. En 1998, le journaliste Hubertus Czernin a établi que le Belvedere conservait plusieurs œuvres volées à des propriétaires juifs et avait refusé de les rendre. Ce portrait en faisait partie.

Maria Altmann, nièce de Ferdinand, a engagé l'avocat E. Randol Schoenberg pour réclamer cinq œuvres de Klimt au Belvedere. La procédure a duré sept ans, avec notamment une audience devant la Cour suprême des États-Unis. Schoenberg a accepté un arbitrage en Autriche, en partie parce qu'Altmann avait 85 ans. À cette décision, Altmann, elle, a d'abord réagi en le traitant de fou. En 2005, un tribunal arbitral autrichien a décidé que les tableaux devaient être rendus aux héritiers.

En 2006, Altmann a vendu le portrait à Ronald Lauder pour 135 millions de dollars américains, un prix alors record pour un tableau. Lauder l'a acheté pour la Neue Galerie New York, où il est exposé en permanence depuis 2006, conformément aux souhaits de la famille. Selon Schoenberg, Altmann l'a vendu en partie pour faire connaître la vérité sur ce que sa famille avait subi. Les héritiers, qui possédaient le tableau en indivision, n'avaient pas non plus les moyens de l'assurer dans une demeure privée. Le nom d'Adele Bloch-Bauer, effacé par l'ancien titre, figure désormais dans le titre du tableau.

« Le Baiser » a été acheté avant d'être achevé

La Kunstschau Wien de 1908, organisée en un temps record par Klimt, Josef Hoffmann et leurs collègues, a ouvert ses portes le 1er juin. Klimt n'avait pas pu terminer son célèbre tableau des amants à temps pour l'ouverture. Le tableau était présenté sous son titre d'origine, « Liebespaar ». Il était la pièce maîtresse de la salle Klimt et l'attraction principale de toute l'exposition. Le ministère autrichien de l'Éducation l'a acheté pour la Galerie moderne alors que l'exposition était encore ouverte.

La galerie, aujourd'hui appelée Belvedere, avait ouvert cinq ans plus tôt seulement. Le tableau était encore inachevé lors de son achat, pour 25 000 couronnes. Klimt l'a terminé et remis au ministère en 1909, contre le versement de la somme convenue. Le Belvedere estime probable que le peintre ait encore apporté des modifications après la Kunstschau, jusqu'en 1909. Une photographie ancienne montre le premier état du tableau.

À l'automne 1909, un catalogue de la Galerie moderne a mentionné l'œuvre pour la première fois en la désignant par le titre « Le Baiser », sous lequel elle est aujourd'hui célèbre dans le monde entier.

Les matériaux expliquent en grande partie sa force. La feuille d'or décore les vêtements des amants. Le fond est parsemé de particules d'or, d'argent et même de platine. Le tableau date de l'apogée de la période dorée de Klimt, durant laquelle il a développé une technique associant la feuille d'or à la peinture à l'huile et à la peinture au bronze. Pour son usage de l'or, il s'est inspiré des mosaïques byzantines et de la peinture d'icônes. Le fond d'or des icônes est traditionnellement réservé aux sujets sacrés. Klimt l'a appliqué ici à l'amour profane, et l'œuvre est souvent qualifiée d'icône monumentale.

Beaucoup pensent que le couple représente Klimt et sa compagne Emilie Flöge, peut-être au bord de l'Attersee, où ils passaient leurs étés. Le Belvedere rappelle qu'aucune source biographique n'indique que Klimt voulait les représenter tous les deux. Cette identification reste donc une hypothèse romantique. En revanche, le parcours du tableau est certain. Il n'a pas quitté la collection du Belvedere depuis son achat. Il est exposé au Belvedere supérieur, à Vienne, où il est la pièce maîtresse de la collection permanente.

« L'Accomplissement » et la création de la salle à manger du palais Stoclet

Le financier belge Adolphe Stoclet et son épouse Suzanne ont chargé Josef Hoffmann et la Wiener Werkstätte de concevoir leur palais bruxellois et ses jardins réguliers, et d'assurer la décoration et l'ameublement du palais. Le chantier a duré de 1905 à 1911. Klimt a été sollicité pour dessiner la frise en mosaïque de la salle à manger. Son dessin des amants enlacés est l'un des neuf cartons, ces dessins préparatoires grandeur nature, qu'il a réalisés pour la frise, principalement entre 1908 et 1911.

« L'Accomplissement », aussi appelé « Les Amants », conclut la frise et répond à « L'Attente », sur le mur d'en face. Le thème de l'attente et de l'accomplissement apparaît dans les dessins de Klimt dès 1904 ou 1905, des années avant l'achèvement de la commande. Les deux scènes se font face de part et d'autre de la salle à manger.

Klimt a réalisé le dessin à Vienne et à Kammerl am Attersee, à la craie, au crayon et à la gouache, avec du bronze, de l'argent, de l'or et du platine. La Wiener Mosaik-Werkstätte de Leopold Forstner a exécuté la frise en mosaïque. Les dessins préparatoires précisent l'emploi d'émail, d'incrustations d'or et de verre coloré.

Le MAK, musée des Arts appliqués de Vienne, qui conserve le dessin original, avance l'hypothèse que les amants enlacés sont Gustav Klimt et Emilie Flöge. Cela reste une interprétation, et non un portrait biographique établi. Cette étreinte finale fait écho aux amants qui clôturent la « Frise Beethoven ». Le dessin est aussi très proche du « Baiser » par son style.

Le palais Stoclet appartient toujours à la famille Stoclet et n'est pas ouvert au public. C'est donc à Vienne, devant les cartons, que l'on peut voir le projet. En 2012, pour le 150e anniversaire de la naissance de Klimt, le MAK a de nouveau présenté les neuf cartons conservés, après plusieurs années de restauration. L'exposition, intitulée « L'Attente et L'Accomplissement », s'est tenue du 21 mars au 15 juillet.

Qui était Mäda Primavesi et comment son portrait est-il arrivé à New York ?

Otto Primavesi, banquier et industriel issu de l'une des familles les plus riches de Moravie, et son épouse Eugenia soutenaient l'avant-garde artistique viennoise. Entre 1912 et 1914, ils ont commandé à Klimt le portrait de leur fille et celui d'Eugenia. Mäda avait neuf ans lorsque Klimt a commencé son portrait.

Selon le récit de Mäda, sa mère et elle se rendaient régulièrement à Vienne pour les séances de pose. Klimt a réalisé de nombreuses esquisses. Il a essayé différentes poses, tenues et motifs de fond avant de choisir la version définitive. À l'été 1913, il a remis à la famille un reçu pour un acompte de 15 000 couronnes sur les deux portraits, celui de Mäda et celui de sa mère.

Dans le tableau achevé, Mäda porte une robe blanche aux ornements délicats. C'est la créatrice Emilie Flöge, compagne de Klimt, qui l'avait confectionnée sur la suggestion du peintre. La famille soutenait aussi la Wiener Werkstätte : Otto Primavesi a contribué à financer l'atelier après le départ de son premier bailleur de fonds, Fritz Waerndorfer. Les Primavesi se sont rapprochés de Klimt dans les années 1910. Ils l'invitaient aux fêtes de Noël et du Nouvel An dans leur maison de campagne de Winkelsdorf, conçue par Josef Hoffmann.

Le Metropolitan Museum of Art relève que la pose et l'expression de Mäda témoignent d'une assurance remarquable pour une enfant de neuf ans. Cette assurance correspond à la description qu'elle a donnée d'elle-même plus tard : une enfant entêtée et un garçon manqué. L'entêtement qu'elle se reconnaissait suggère que l'aplomb qu'elle affiche sur le portrait venait d'elle, et ne reflétait pas seulement la fortune familiale.

Otto Primavesi a possédé le tableau de 1913 jusqu'à sa mort en 1926. Sa veuve Eugenia l'a ensuite conservé. La famille a dû vendre plusieurs tableaux de sa collection de Klimt, probablement parce que la Wiener Werkstätte n'était pas rentable et que sa propre banque avait fait faillite. En 1928, le portrait est passé par Hugo Bernatzik avant d'arriver à la Neue Galerie de Vienne, qui l'a vendu à Jenny Pulitzer Steiner.

Les nazis ont saisi le portrait chez Jenny Pulitzer Steiner à Vienne en 1938. Il lui a été restitué en 1951. En 1964, il est entré au Metropolitan Museum of Art de New York grâce à un don d'André et Clara Mertens, en mémoire de la mère de Clara, qui l'avait possédé. L'original est exposé dans la salle 800 du Met.

Revenez sur ces sept œuvres et choisissez l'histoire que vous aimeriez retrouver chaque jour sur votre mur, pas seulement l'or que vous avez reconnu au premier regard.

Le saviez-vous ?

Klimt a commencé sa carrière avec son frère Ernst et leur ami Franz Matsch, au sein d'un groupe appelé la Compagnie des artistes. Ils réalisaient des peintures murales dans de grands bâtiments publics.
La « Frise Beethoven » est considérée comme la première œuvre de la période dorée de Klimt. Elle associe peinture et or à du stuc doré, à des boutons de nacre, à des fragments de miroir et à des pierres semi-précieuses, sur un mortier appliqué à une natte de roseaux.
Selon l'historienne de l'art Alessandra Comini, les visiteurs de 1902 pouvaient reconnaître Gustav Mahler dans le chevalier en armure dorée de la frise.
« La Philosophie », l'un des trois tableaux universitaires de Klimt, a reçu une médaille d'or à l'Exposition universelle de Paris, alors que de nombreux critiques l'attaquaient en Autriche.
Dans les années 1890, Klimt a réalisé des centaines d'esquisses et d'études pour ses trois tableaux destinés à l'université de Vienne.
Eduard Pernkopf, recteur nazi et anatomiste, a soutenu le retour des tableaux des facultés à l'université avant leur transfert au château d'Immendorf.
Dans un article du 9 janvier 1916, un journal viennois décrivait le portrait d'une fillette d'environ dix ans vêtue d'une robe blanche. La base de données Klimt l'identifie comme le portrait de Mäda Primavesi.

Gustav Klimt en questions et réponses

Pourquoi le tableau « La Médecine » de Klimt a-t-il été détruit ? Le tableau, avec Hygie au bas de la composition, a été confisqué à ses propriétaires juifs en 1938, en même temps que les deux autres œuvres universitaires. Pendant la guerre, les trois tableaux ont été présentés dans une exposition à Vienne, puis entreposés. Ils ont ensuite été transférés au château d'Immendorf, en Basse-Autriche, où un incendie les a détruits le 8 mai 1945.

Quelles scènes mythologiques Klimt a-t-il peintes ? « Judith et la tête d'Holopherne » et la figure d'Hygie puisent dans des sources bibliques et antiques. Klimt s'est aussi tourné vers la mythologie grecque pour des œuvres comme sa « Danaé », une figure allongée enveloppée de drapés tournoyants. Vous pouvez aussi accrocher une reproduction de ce tableau à votre mur.

Quelles sont les œuvres les plus sensuelles ou érotiques de Klimt ? « Le Baiser » et « L'Accomplissement » abordent l'amour avec tendresse, mais la force érotique de Klimt s'exprime le plus directement dans ses nus. « Serpents d'eau II », avec ses figures féminines entrelacées et ses chevelures ondoyantes, s'inscrit dans cette veine. D'autres œuvres de ce registre figurent dans notre collection érotique de posters vintage.

Combien valent les tableaux de Klimt ? Les prix varient beaucoup d'une œuvre à l'autre. Le « Portrait d'Adele Bloch-Bauer I » s'est vendu en 2006 pour 135 millions de dollars américains, un prix alors record pour un tableau. L'acheteur, Ronald Lauder, a seulement confirmé publiquement avoir payé davantage que le précédent record de 104,2 millions de dollars américains, établi par le « Garçon à la pipe » de Picasso.

Klimt a-t-il peint Adele Bloch-Bauer plusieurs fois ? Oui. Il existe un second portrait, le « Portrait d'Adele Bloch-Bauer II ». WikiArt date sa commande de 1912. Klimt l'a aussi représentée en Pallas Athéna.

Quel cadre choisir pour un poster de Klimt ? Pour les œuvres de Klimt où l'or domine, notre préférence va à un cadre noir, qui fait ressortir l'or. Notre cadre en aluminium noir est muni d'une plaque de protection en acrylique. Si vous le commandez avec un poster, nous encadrons celui-ci gratuitement.

À propos de l'auteur

Nous sommes l'équipe de Moryarty. Depuis 2015, nous dénichons des posters vintage dans les bibliothèques, les musées, les collections en ligne ou privées et sur les marchés. Nous restaurons chaque poster à la main, puis l'imprimons nous-mêmes dans notre atelier de Barcelone, sur un papier d'art de qualité muséale. Les ors et les motifs de Klimt demandent une grande précision des couleurs. Lors de la restauration, nous veillons à ne jamais modifier le dessin ni les couleurs d'origine : c'est ce qu'exigent ces œuvres.

Sources

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