Né en Autriche en 1890, Egon Schiele est devenu l'un des artistes emblématiques de l'expressionnisme viennois avant de mourir à 28 ans. Dans ses portraits, autoportraits et études de figures, il a remplacé les idéaux académiques de beauté par des corps anguleux, des chairs exposées et une observation psychologique directe.

Sa carrière s'est déroulée pendant les dernières années de l'Empire austro-hongrois. Elle a été marquée par une formation classique à Vienne, le soutien de Gustav Klimt, une incarcération liée à un dessin érotique, son service militaire pendant la Première Guerre mondiale et une grande exposition peu avant que la pandémie de grippe de 1918 ne mette fin à sa vie.

L'artiste en quelques mots

Il travaillait principalement au crayon, à la craie noire, à la gouache et à l'aquarelle sur papier. Il dessinait souvent un contour continu autour du corps, ajoutait de la couleur à certains endroits et laissait une grande partie de la feuille intacte. Le papier laissé apparent isole la figure de toute référence à une pièce ou à un décor identifiable.

Les portraits et les corps humains dominent les œuvres qui nous sont parvenues. Parmi ses modèles figuraient des membres de sa famille, des mécènes, des enfants, des travailleuses du sexe, d'autres artistes, sa compagne Walburga 'Wally' Neuzil et son épouse Edith Harms. Il a également étudié sa propre apparence dans des dizaines d'autoportraits, modifiant souvent sa pose, son expression et l'âge qu'il semblait avoir.

Les images peuvent paraître spontanées, mais leurs compositions étaient soigneusement maîtrisées. Les mains, les coudes et les genoux s'étendent fréquemment jusqu'aux bords du papier. Un pied ou un bras coupé relevait souvent d'un choix de composition délibéré et non d'une étude laissée inachevée.

Ses jeunes années en Autriche

Il est né le 12 juin 1890 à Tulln an der Donau, une ville ferroviaire au nord-ouest de Vienne. Son père, Adolf Schiele, était chef de gare. Sa mère, Marie Soukup, était originaire de Krumau, aujourd'hui Český Krumlov, en République tchèque.

Les chemins de fer apparaissent à maintes reprises dans ses dessins d'enfance. La famille vivait près des voies, et les cahiers scolaires conservés contiennent des croquis de locomotives et de wagons. Son père aurait détruit certains dessins, qu'il considérait comme une distraction nuisible à ses études.

Atteint de syphilis, Adolf est mort en 1905. L'oncle maternel du garçon, Leopold Czihaczek, est alors devenu son tuteur légal. Czihaczek voulait qu'il choisisse une profession stable, mais a finalement accepté sa candidature dans une école d'art.

En 1906, à 16 ans, il est entré à l'Académie des beaux-arts de Vienne. Il y a étudié auprès de Christian Griepenkerl, un peintre associé aux sujets historiques et allégoriques. L'académie imposait aux élèves de copier des moulages en plâtre et de respecter les règles établies du dessin du corps humain.

Ce système l'agaçait. En 1909, il a quitté l'académie et participé à la création du Neukunstgruppe, ou Groupe du nouvel art, avec d'autres étudiants, dont Anton Peschka et Franz Wiegele. Leur première exposition a eu lieu au Kunstsalon Pisko de Vienne plus tard la même année.

Gustav Klimt lui ouvre des portes

Lorsque le jeune Schiele est entré à l'académie, Gustav Klimt était le principal peintre moderne de Vienne. Klimt avait rompu avec le Künstlerhaus en 1897 et contribué à fonder la Sécession viennoise, une association organisant des expositions consacrées à l'Art Nouveau autrichien et à l'art moderne venu de l'étranger.

Les deux artistes se sont rencontrés vers 1907. Klimt a encouragé le jeune homme, acheté certains de ses dessins et lui a présenté des mécènes et des modèles. Schiele a également participé à l'Internationale Kunstschau de 1909, où étaient représentés Klimt, Oskar Kokoschka, Edvard Munch et Vincent van Gogh.

L'influence de Klimt est manifeste dans les premières œuvres. Les arrière-plans aplatis, les vêtements à motifs et les silhouettes allongées reprennent le langage décoratif associé à la Sécession. Le portrait de 1908 généralement intitulé Cheveux roux, chapeau bleu appartient à cette période, lorsque les étoffes ornementales rivalisaient encore avec le visage et le corps du modèle.

Klimt n'a pas transformé son protégé en imitateur. Il lui a offert des contacts et un soutien professionnel sans lui imposer une méthode unique. Dès 1910, le jeune peintre avait retiré de ses images une grande partie de l'or, des ornements et du rythme gracieux des surfaces.

Une ligne plus âpre se dessine

Ce changement est devenu visible dans les autoportraits de 1910. Les corps se sont amincis, les articulations sont devenues plus saillantes et la peau s'est couverte de touches vertes, rouges ou ocre. La craie noire produisait un contour sec et brisé, très différent des lignes plus lisses de Klimt.

La couleur était appliquée de manière sélective, plutôt que pour modeler l'ensemble du corps. Une joue, un mamelon, une phalange ou une mèche de cheveux pouvait recevoir plusieurs traits concentrés, tandis que le papier environnant restait nu. Cette économie donnait aux petits dessins la puissance visuelle de tableaux beaucoup plus grands.

En 1911, il s'est installé avec Wally Neuzil à Krumau, la ville natale de sa mère. Les habitants désapprouvaient ce couple non marié et la présence de jeunes modèles dans son atelier. La même année, ils sont partis pour Neulengbach, à l'ouest de Vienne.

La police l'a arrêté à Neulengbach en avril 1912 après qu'une adolescente avait passé une nuit loin de chez elle en sa compagnie. Les accusations d'enlèvement et d'inconduite sexuelle ont été abandonnées, mais il a été condamné parce que des dessins érotiques avaient été laissés à la vue de mineurs. Il a passé 24 jours en détention, y compris la période précédant son procès, et le juge a brûlé un dessin au tribunal.

Son incarcération n'a pas mis fin à sa carrière, mais elle a changé sa situation. De retour à Vienne, il s'est davantage appuyé sur des collectionneurs reconnus, dont l'industriel August Lederer et le marchand d'art Hans Goltz. Les commandes de portraits et les expositions lui procuraient un revenu plus régulier que les arrangements informels de son atelier à Neulengbach.

Sa vie personnelle a elle aussi changé. En 1914, il s'est rapproché d'Edith Harms, qui vivait avec sa famille en face de son atelier viennois. Il a rompu avec Wally et épousé Edith le 17 juin 1915, trois jours avant de rejoindre son affectation militaire.

Ses fonctions ont moins entravé son travail que ne l'aurait fait un déploiement au front. Il a gardé des prisonniers russes près de Mühling, puis travaillé dans des bureaux d'approvisionnement militaire. Les officiers l'autorisaient parfois à dessiner, et il a réalisé des portraits de prisonniers et de collègues pendant son service.

Les œuvres majeures d'une courte carrière

Mère morte I, peinte en 1910, appartient à sa première période indépendante. Une sombre figure maternelle y enveloppe un nourrisson vivant, inversant la chaleur attendue d'une composition traditionnelle représentant la Vierge à l'Enfant. Le sujet rejoint son exploration récurrente de la grossesse, de la naissance et de la mortalité.

Autoportrait aux alkékenges, réalisé en 1912, montre l'artiste vêtu de noir à côté d'une branche portant des fruits orange. Le visage pâle, l'épaule relevée et le torse tronqué composent une pose vigilante et réservée. Le Leopold Museum de Vienne conserve ce tableau dans son importante collection d'œuvres de l'artiste.

Portrait de Wally Neuzil, également peint en 1912, montre Wally regardant directement le spectateur sur un fond pâle. L'histoire ultérieure de sa propriété est devenue presque aussi célèbre que l'image elle-même. Le tableau a été saisi à New York en 1998 alors qu'il était prêté au Museum of Modern Art. Un long litige portant sur sa restitution s'est ensuivi, avant d'aboutir à un accord en 2010.

Les Ermites, peint en 1912, présente deux figures sombres en pied, serrées l'une contre l'autre. La seconde est généralement associée à Klimt, bien que le tableau ne soit pas un double portrait au sens littéral. L'artiste l'a décrit par la suite comme une image de deuil, et sa surface presque monochrome tranche avec ses aquarelles plus lumineuses.

La Mort et la Jeune Fille a été peinte en 1915 après sa rupture avec Wally et son mariage avec Edith. Une femme s'agrippe à une figure masculine vêtue d'une robe, sur un sol nu. Le titre aujourd'hui retenu associe leur étreinte à la séparation et à la mort, des réalités devenues immédiates en temps de guerre.

Femme assise, genou plié, réalisé en 1917, représente Edith portant des bas rayés et un vêtement vert ample. Son corps est vu d'en haut, une perspective qui transforme les membres repliés en structure même de la composition. L'Albertina de Vienne conserve ce dessin à la gouache et à la craie noire.

La Famille, peinte en 1918, était à l'origine un double portrait, remanié ensuite pour représenter un homme, une femme et un enfant. La figure masculine ressemble à l'artiste, tandis que la femme n'est pas un portrait fidèle d'Edith. L'enfant est imaginaire, car Edith était enceinte à sa mort et le couple n'a pas eu d'enfant survivant.

La reconnaissance, puis la catastrophe

La 49e exposition de la Sécession viennoise, organisée en mars 1918, lui a réservé sa salle principale. Il en a conçu le poster et présenté 50 œuvres. Les ventes et les commandes qui ont suivi ont consolidé sa situation professionnelle après la mort de Klimt, survenue le 6 février de la même année.

Ce succès n'a duré que quelques mois. Edith, enceinte de six mois, est morte de la grippe le 28 octobre 1918. Son mari a succombé à la même maladie le 31 octobre, trois jours plus tard. Il a été enterré au cimetière d'Ober Sankt Veit, à Vienne.

Sa mort précoce a limité sa production à une dizaine d'années environ. Les musées considèrent désormais ses dessins comme des œuvres achevées, et non comme de simples préparations pour des tableaux. Leurs fonds vierges, leurs contours brisés et leurs poses resserrées ont influencé des artistes ultérieurs explorant la vulnérabilité physique, notamment Francis Bacon, Lucian Freud, Jenny Saville et Tracey Emin.

Les musées et les collectionneurs doivent également examiner le parcours des œuvres passées par l'Autriche pendant et après le régime nazi. Le litige autour du Portrait de Wally a attiré l'attention du public sur la recherche de provenance, la restitution et la spoliation des collections appartenant à des Juifs.

Les dessins de figures expressifs dans la décoration

Ces œuvres conviennent aux intérieurs où le papier et le trait peuvent rester bien visibles. Un mur de galerie très chargé risque d'écraser un petit dessin de figure, tandis qu'une impression isolée, entourée d'un espace généreux, préserve la solitude propre à l'original sur papier. Notre collection Schiele réunit des portraits, des figures assises et des créations pour des expositions. L'affiche de l'exposition à la Galerie Arnot trouve davantage de force lorsqu'elle est présentée seule.

L'aluminium noir s'accorde avec ses contours sombres et ses signatures manuscrites. Le profil étroit d'un cadre en aluminium noir évite les ornements sculptés qui détourneraient l'attention du dessin. Le cadre est proposé, mais l'aluminium peut sembler trop austère dans une pièce dominée par le bois aux tons chauds et les étoffes tissées. Dans ce type d'intérieur, un cadre en pin clair paraît plus doux à côté de murs crème, de meubles en chêne et de textiles naturels.

Un conseil sincère au sujet des passe-partout : évitez toute fenêtre qui couperait une main, une signature ou une large marge de papier. Ces marges vides font partie de la composition, elles ne sont pas un espace superflu autour de l'image. Les collectionneurs qui nous sollicitent pour Schiele recherchent presque toujours les œuvres sur papier les plus petites et les plus intimes. Un format A4 discret ou une taille carte postale fonctionne donc souvent mieux sur un mur qu'une grande reproduction agrandie, qui risque d'atténuer la tension du trait original.

Le saviez-vous ?

• Sa maison natale, située dans l'ancienne gare de Tulln, abrite aujourd'hui un musée consacré à sa vie et à son œuvre.
• Il a présenté sa première exposition publique en 1908 à l'abbaye impériale de Klosterneuburg, alors qu'il avait 18 ans.
• Sa sœur cadette Gerti a souvent posé pour ses premiers portraits, avant d'épouser Anton Peschka, un ami de l'académie.
• Klimt est mort en février 1918, et Schiele a réalisé plusieurs dessins du visage et des mains de son mentor à la morgue de l'hôpital.
• Le Leopold Museum conserve 42 peintures et plus de 180 œuvres sur papier, soit la plus grande collection muséale consacrée à l'artiste.
• Son poster de la Sécession de 1918 représente des artistes assis autour d'une table, avec sa propre figure bien en évidence à la place d'honneur.

Réponses aux questions les plus fréquentes

Où peut-on voir ses œuvres ? Le Leopold Museum et l'Albertina de Vienne conservent d'importants ensembles de peintures et de dessins. Le Belvedere de Vienne, la Neue Galerie de New York et le Museum of Modern Art de New York présentent également des œuvres majeures. Vienne est la seule ville où l'on peut voir des peintures, des œuvres sur papier et des archives au cours d'un même séjour.

Comment distinguer un dessin original d'une reproduction ? Une signature imprimée ne prouve rien, puisqu'elle est reproduite avec l'image. Un original exige une chaîne de propriété documentée, l'examen du papier et des pigments, ainsi qu'une comparaison avec le catalogue raisonné de Jane Kallir, l'ouvrage de référence qui attribue un numéro K à chaque œuvre authentifiée.

Quel est le prix des tableaux originaux ? Maisons avec linge coloré a été vendu chez Sotheby's à Londres pour 24,7 millions de livres sterling en 2011. Les œuvres sur papier coûtent généralement moins cher que les grandes huiles, mais les exemplaires authentifiés peuvent tout de même atteindre des prix à six ou sept chiffres.

A-t-il réalisé des impressions de son vivant ? Oui, mais sa production d'eaux-fortes, de pointes-sèches, de lithographies et de gravures sur bois reste limitée par rapport à ses dessins. Il faut distinguer ces œuvres graphiques réalisées de son vivant des reproductions numériques modernes tirées de tableaux ou d'œuvres sur papier. Une reproduction fine art constitue un choix raisonnable pour la plupart des intérieurs, car même un dessin original modeste dépasse largement un budget consacré à la décoration.

Les images sont-elles libres de droits en Europe ? Les droits d'auteur sur les œuvres originales ont expiré, puisque l'artiste est mort en 1918. Une photographie récente ou une numérisation réalisée par un musée peut être soumise à des conditions d'utilisation distinctes. Il convient donc de vérifier les droits de publication auprès de l'institution qui a fourni l'image.

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À propos de l'auteur

MORYARTY sélectionne des reproductions de posters vintage depuis 2015. Notre équipe travaille entre Barcelone et Lisbonne et étudie depuis plus de dix ans les affiches d'expositions européennes, le dessin expressionniste et les différences concrètes entre les images de musée et les impressions destinées aux murs des particuliers.

Sources

• Encyclopaedia Britannica. Biographie et chronologie de la carrière
• Leopold Museum. Présentation de la collection et documentation biographique
• Albertina. Collection de dessins et d'œuvres imprimées
• Museum of Modern Art. Notice de l'artiste et œuvres
• Neue Galerie New York. Présentation de l'artiste et collection